Kubla Khan

2.1 Exponga el contenido del fragmento y relaciónelo con el relato del que se ha extraído:

El poema empieza situándonos y describiéndonos el palacio, haciendo especial mención a la cúpula que ira adquiriendo importancia a lo largo del poema. Según vamos leyendo comprobamos que el autor nos sitúa en un lugar paradisiaco, hace alusión a los “cedros”, que aparecieron en Gilgames y también se pueden identificar con el jardín de las Hespérides e Grecia. De repente ese paraíso sobre el que estábamos leyendo cambia radicalmente a un lugar más infernal “Y del abismo hirviente y con fragores sin fin, cual si la tierra jadeara”. También llama la atención encontrar la figura de la mujer en ese lugar “una mujer, gimiendo de amor por un espíritu”, con lo que podemos entender que la mujer es vista como un ser maléfico y encontramos juegos de palabras que nos pueden recordar a pecados como “Cinco millas de sierpe, como laberinto”, la serpiente representa el pecado original en el cristianismo y el autor la usa para describir un río que se introduce en la tierra y luego sale de ella.

Luego el autor vuelve a mencionar otra vez la cúpula y el autor aprovecha para transformar ese paisaje violento en idílico y pacífico, por ejemplo menciona “una joven con un salterio aparecía”, lo contrario a la anterior mujer que hemos visto. El poema termina con una gran alabanza a la cúpula.

2.2. Analice los aspectos formales del texto.

En este poema podemos determinar dos partes, una cuando el poeta tiene presente el sueño y otra cuando parece ser que le interrumpieron. Esto se nota si nos fijamos en los tiempos verbales, en la primera parte, los verbos están en tiempo pasados, como recuerdos de una vivencia, en cambio al final encontramos tiempos condicionales como si hubiera tenido la oportunidad de estar allí y ahora se arrepintiese de no haber estado, además de la frase “Si revivir lograra en mis entrañas…” Es como si el autor nos diera la razón de que ha perdido el hilo de su sueño. Este autor, al igual que otros de sus contemporáneos, usa el recurso del mundo clásico (el río Alfa). El autor hace hincapié en la descripción, sobre todo a la hora de hablar de la cúpula del palacio.

En definitiva es un poema origina, en lo que respecta a su creación y su argumento. En la parte en que encontramos verbos en tercera persona y en el pasado, lo que nos da una idea aun más paradisíaca y lejana. También existe una relación de conceptos como río y serpiente, guiños al mundo clásico (cedros, que se pueden relacionar con la mitología clásica). Es muy curioso los cambios rápidos y prácticamente espasmódicos del paisaje, como pasa de repente a ser paradisiaco, a coger un aspecto más lúgubre y tenebroso, además de la contraposición que muestra en la figura de la mujer, la primera nos recuerda más a un demonio, o un espectro que un humano, mientras que la segunda nos transmite una sensación de calma.

2.3 Comente la producción literaria del autor con especial atención al cuanto seleccionado.

Para empezar hay que tener en cuanta la curiosa historia de este poema, que fue un sueño de Coleridge inducido por la droga, fue capaz de recordarlo y ponerlo por escrito, ese sueño relataba la construcción del palacio de Xanadú, por el emperador mongol y chino Kublai Khan. Este palacio era sinónimo de opulencia y lujo, además de ser símbolo de la capital del gran imperio. Coleridge no pudo terminar su poema por la culpa de una visita que lo interrumpió e hizo que se le olvidara el sueño.

Ha Coleridge se le considera uno de los autores fundadores del movimiento romántico en poesía, junto a Wordsworth. Estos dos autores publicaron en 1798, Baladas. Coleridge es recordado hoy por “La Balada del Viejo Marinero” y por “Kubla khan”, poema que soñó después de haber tomado opio. No solo fue poeta, también se le reconoce por filósofo y crítico, además de ser una gran influencia para otros poetas venideros. Introdujo la idea de la imaginación poética como elemento regulador entre las culturas modernas.

Este autor se decantó más por temas exóticos en sus poemas, en este tipo de poemas entra “Kublai khan” que fue publicado en Christabel en 1816, aunque fue terminado en 1797. Este poema muestra un carácter incompleto, con un lenguaje muy estilizado en el que Coleridge nos transporta a distintos parajes en una mezcla de paraíso y guerra.

Pero este autor no se dedico exclusivamente a la poesía, podemos destacar alguna de sus obras en prosa como Biographia Literaria (1817), donde encontramos por ejemplo sus observaciones literarias y allí expresa su opinión sobre la imaginación y la naturaleza de la poesía. 

Oda a un Ruiseñor

2.1. Exponga el contenido del fragmento y relaciónelo con el relato del que se ha extraído.

En este poema Keats compara la belleza, pero ya no con un objeto como hemos visto en “Oda a una urna griega”, sino que se centra el canto de un ruiseñor, que incluso hoy en día es sinónimo de dulzura y felicidad. Keats llega a la conclusión que aunque vaya pasando el tiempo y vayan pasando las generaciones, siempre habrá un ruiseñor que cantará y traerá un poco de felicidad al mundo.

Este poema es especialmente complejo por la filosofía que entrama, ya que el autor entremezcla sentimientos contradictorios, es más un sentimiento da paso a otro consecutivamente, en este caso Keats nos muestra una felicidad tan grande por estar enamorado, que le duele y le hace sufrir, lo que podemos relacionar con la desgraciada situación que tuvo en vida, de ser amado y amar y no poder completar ese amor por una enfermedad que podría contagiar. “Me duele el corazón y un pesado letargo aflige a mis sentidos, tal si hubiera bebido cicuta o apurado un opiato hace sólo un instante y me hubiera sumido en el Leteo: y esto no es porque tenga envidia de tu suerte, sino porque feliz me siento con tu dicha…” Esta parte corresponde a la primera estrofa del poema y el mensaje esta ya bastante claro. En el poema el autor pretende evadirse de ese sentimiento que siente, quiere ir lejos, solo conducido por el canto de pájaro. Lo único que desea es morir: “Ahora más que nunca morir parece dulce”, aunque el poeta se entristece por su situación y la de su amada cuando él haya muerte, y habla al ruiseñor diciendo que su canto inmortal será el que contemple la tristeza de ambos y la añoranza.

Este poema tiene unos sentimientos muy fuertes y el poeta consigue solo con su lectura introducirnos en su situación, que es muy triste y “estranguladora”, caótica, y esto lo sentimos solo con leerlo, podemos comprender que un ser humano en esa situación de frustración se trastornara, ya que es una de las peores situaciones en las que se podría encontrar alguien. Esta expresión de sentimientos es lo que convierte a Keats en un maestro de la poesía.

2.2 Analice los aspectos formales del texto.

El autor se apoya en la naturaleza para ubicarnos en la belleza, el mismo ruiseñor es un animal y por tanto parte de la naturaleza, en este poema el canto del pájaro es el ejemplo de inmortalidad frente a la propia vida del autor que no es solo mortal, sino que es conciente del poco tiempo que le queda por la tuberculosis y para zafarse de este pensamiento Keats recurre al canto del ruiseñor para evadirse en diferentes lugares como bosques, campos…. Ya mencionado, hay una gran importancia de lo natural, representado por frondosos bosques en los que habita el ruiseñor. El yo poético es en primera persona, se refiere a él y sus sentimientos, los cuales son muy cambiantes y contradictorios, pues el autor sufre, pero por dicha. Los verbos aparecen en subjuntivo, pues muestra deseo de no morir y poder aprovechar su vida. El poema cuanta con una gran cantidad de adjetivos en los que se apoya para animarnos a imaginar esos lugares, también es importante decir la presencia de la mitología griega. También vemos influencia del mundo griego en este poema, “No me conducirán leopardos de Baco”. Es muy curioso, que aunque sabemos que se refiere al canto, las cualidades que quiere resaltar se las da al pájaro, como “inmortal”.

Oda sobre una Urna Griega

2.1. Exponga el contenido del fragmento y relaciónelo con el relato del que se ha extraído:

Este poema de John Keats hace referencia a una urna griega, para entenderlo hay que entender que este autor es uno de los denominados “poetas malditos” y tuvo una vida con mucho sufrimiento. Sus poemas siempre nos sugieren una búsqueda de la belleza inmortal, en este caso la urna representa esta belleza y el propio título es un ejemplo de ello. El poema se puede dividir según las estrofas en varias partes en las que el poeta trata diferentes temas: en la primera, nos presenta la urna, en la segunda, el autor nos menciona cosas muy comunes en la mitología griega que se pueden relacionar con muchos mitos, la tercera solo nos sitúa en un lugar paradisiaco, idílico, pero no tiene gran relevancia para el argumento, solo es otro ejemplo de esa belleza que refleja la urna y que Keats quiere plasmar en su poema, en la cuarta estrofa se nos vuelve a situar en diferentes actividades referentes a la cultura griega, en este caso en las festividades y en sus ritos, en la quinta y última estrofa el autor concluye el poema  con unos versos muy importantes que resumen la finalidad del poema: “La belleza s verdad, y la verdad es belleza- Todo eso y nada más habéis de saber en la tierra”. En estos versos podemos ver todo el sentimiento del autor y los podemos relacionar con otros de sus poemas, ya que comparten esta finalidad.

En este autor es importante mencionar que sus poemas no escapan mucho de la narrativa, ya que para John Keats la buena poesía y la buena prosa no se deben diferenciar, punto de vista que comparte con otros autores como Wordsworth, para él un poeta se precia en la manera con la que transmite y describe sus sentimientos. Debemos tener esto muy presente para entender su obra.

2.2. Analice los aspectos formales del texto.

En este poema Keats aparece la función apelativa y la función expresiva, por ello es lógico encontrar verbos en segunda persona del singular, en tiempos presentes e infinitivos. Además esa segunda persona es femenina, ya que Keats lo remarca con “hija adoptiva del silencio”, “tú, amiga de los hombres, a los que siempre dices”. Aunque veremos partes en el poema en que esa persona cambie, porque el autor también se referirá a los relieves y a lo que representa la vasija: “¡Ah, ramas venturosas que no perdéis- las hojas ni decís adiós a la Primavera”, “Bello joven, no dejes morir tu canto- bajo esos árboles nunca desnudos”. Todos estos ejemplos a su vez contienen un fuerte poder connotativo, y son capaces de evadirnos de esta realidad para alcanzar esa antigua civilización griega.

El poema tiene en conjunto un tono descriptivo, el cual nos presenta características de mitología, paisajes idílicos y diferentes festividades. Como recursos literarios, encontramos sinestesia, por ejemplo relaciona “amor” con la urna, o “inmortalidad” con la urna, que es solo un objeto. El autor consigue una gran belleza en el lenguaje: “Esposa de la calma”, “hija adoptiva del silencio y del tiempo” para referirse a la inmortalidad, “ramas venturosas que no perdéis las hojas ni decís adiós a la Primavera” para referirse a que la urna no esta atada al tiempo…. El autor también recurre a la mitología y a lugares exóticos. Si mezclamos todo esto podemos entender que John Keats fuera un genio de la poesía y capaz de hacer maravillosas creaciones.

2.3. Comente la producción literaria del autor con especial atención al cuento seleccionado.

John Keats tuvo una corta vida, hasta los 26 años, decidió estudiar medicina, pero no llegó a ejercer nunca la profesión, ya que eligió dedicarse a la poesía. Pero este autor no tuvo en su época el reconocimiento del que goza hoy, es más no fue nada apreciado, incluso le recomendaron dejar la poesía. Pero la tristeza en la que vivió le permitió hacer magníficos poemas cargados de sentimiento, Keats tuvo la suerte de amar y ser amado, el problema es que no pudo estar con la mujer a la que amaba por su enfermedad, la tuberculosis, extremadamente contagiosa. Este hecho quizás provoco esa búsqueda de belleza en sus poemas y la contraposición de sentimientos como la tristeza o una fuerte alegría.

Empezó publicando en algunas revistas de la época, su primer libro fue “Poemas de John Keats” en 1817, recoge sonetos sobre el mundo clásico, su segundo libre fue “Endimión” adaptación del mito griego, en él expresa la búsqueda del amor ideal a través de los sueños. Pero su obra cúspide se público en 1820, fue titulado “Lamia, Isabella, la víspera de santa Inés y otros poemas”, en el aparecen obras suyas consideradas de las mejores poesías en lengua inglesa, como “Oda a una urna griega”, “Oda a un ruiseñor” y “Oda a la melancolía”. En su poesía se centra sobre todo en el mundo griego y romántico. También, en el caso de “Oda a una urna griega”, podemos ver como mezcla el arte con la literatura.

“Oda a un ruiseñor” y “Oda a una urna griega”, son dos de sus poemas más famosos, en los que el autor intenta evadirse de este mundo, fijándose en la belleza eterna del canto del ruiseñor y de la urna respectivamente. En estos poemas vemos concentrada toda la tristeza del autor y sus sentimientos, y conseguimos imaginar la horrible situación en la que se encontraba, solo poniéndonos en su lugar.

2.4. Sitúe al autor en su contexto histórico-literario.

 Inglaterra, junto con Alemania, es uno de los países donde más profundamente cuajó el movimiento romántico, siendo, además, el país donde nació y se desarrolló con más prontitud la moderna civilización industrial, por lo que el romanticismo inglés asumió con fuerza una rebeldía hacia esa nueva sociedad industrial y burguesa, y buscó la evasión a través del paisaje rural, del pasado histórico y de los destinos exóticos. El industrialismo y la vida burguesa, de aparición temprana en Gran Bretaña, actuaron así como excusa perfecta para que los espíritus románticos de la época acogieran de buena gana esta corriente literaria y filosófica venida de Alemania. Asimismo, el romanticismo inglés hizo suyo un lenguaje literario que puso sus bases en el sentimiento, en lo subjetivo, en lo irracional y en la más absoluta libertad del artista a la hora de crear.

 Se suele considerar la fecha de 1798 como la de inicio del Romanticismo inglés, fecha esta en que William Wordsworth y Samnuel Coleridge , los llamados poetas fundacionales,  sobre todo el primero, publican la obra Baladas líricas, cuyo prólogo, preparado por se considera el corpus ideológico de la teoría literaria romántica que supone la ruptura definitiva con la retórica neoclásica y aún barroca. El objetivo principal de la poesía es escoger hechos y situaciones de la vida ordinaria  y contarlos a través de un lenguaje nada alejado del que se utiliza en la vida real.

Influenciado en buena medida por Shakespeare,  Wordsworth y Coleridge, Keats se encuentra entre  los  hoy considerados tres grandes poetas del Romanticismo inglés junto con  Lord Byron y  Shelley. Todos ellos fueron no sólo poetas románticos, como lo habían sido sus predecesores, sino auténticos héroes románticos en sus propias vidas, en las que encarnaron sus ideales hasta las últimas consecuencias, muriendo jóvenes y llevando vidas errantes y atormentadas.

Contexto histórico del autor.

Moliere es un autor perteneciente al periodo conocido como Clasicismo. Este periodo se caracteriza por un cambio de mentalidad y una transformación de los valores culturales, que durarán hasta el siglo XVII. En Italia comienza, ya que allí se recupera el saber clásico por los Humanistas, desde allí se extenderá al resto de Europa. Por lo tanto se denominará Humanismo a este resurgimiento de lo clásico.

Es importante mencionar el cambio del teocentrismo religioso al antropocentrismo. También se imitan rasgos de la retórica y gramática latina. Pero aparece una concepción de las lenguas modernas que dará lugar al nacimiento de las filologías.

Aparecen nuevos géneros literarios, el ensayo o la novela moderna. Se revitaliza el teatro que prácticamente había desaparecido, y adquirirá mucha importancia.

No todos los países siguieron los mismos cambios, mientras que unos predomina el Barroco en el siglo XVII, otros evolucionaran hacia el Clasicismo. Además este movimiento no solo afectará a la literatura, sino que las otras artes se verán también afectadas.

Respecto al ámbito de la sociedad, la burguesía adquirirá mucho poder y las grandes familias de esta clase se convertirán en el nuevo Mecenas del arte. Además se empieza a ver como las artes cada vez se desligan más de lo religioso y dan una visión cada vez más desengañada y pesimista del mundo, además de que las composiciones empiezan a buscar la artificiosidad.

El teatro francés sufre grandes cambios en esta época. Se representan los géneros medievales hasta que se prohíben. En ese tiempo se instalan en Paris comediantes italianos, con sus comedias de enredo y dell´ arte que serán de gran influencia para el teatro francés y sus autores, entre ellos Moliere. También a parece un creciente interés por el teatro clásico.

Se instalan en Paris varios teatros fijos en el siglo XVI, el Hotel de Bourgogne o El Palais Royal. Además ya había teatros en los palacios reales, donde se representaban mayormente tragedias. Por lo tanto las compañías se pondrán bajo la protección de grandes nobles o los reyes. Pero aun así el teatro francés sigue compartiendo las mismas características que el inglés o el español. Será después, en el año 1636, cuando se desarrolle el teatro francés genuino, que está fomentado por el crecimiento de la vida social y burguesa. Además de una política favorable para las representaciones como para el ballet o la ópera.

Las principales características, son: el empleo del verso alejandrino, respeto de las tres unidades, separación entre tragedia y comedia. Las obras se dividen en 5 actos y se impone el buen gusto.

Por lo tanto el teatro se caracteriza por la protección real que impone los gustos clásicos. El público que se ve acercando a las representaciones cortesanas y una importancia de la Academia francesa.

Los autores más importantes son:

Pierre Corneille: Le Cid.

Jean Racine: Fedra.

Moliere: considerado el padre de la comedia clásica, con su obra El Tartufo.

Producción literaria del autor, Moliere.

Moliere es considerado el creador de la comedia clásica francesa, que se extenderá más tarde al resto de Europa. Moliere que tiene formación clásica, será influido por la comedia dell´ arte italiana y será actor, autor y empresario, tenía mala reputación entre los autores, aunque contó con el apoyo real (Luis XIV y su hermano) y pronto fundó su propia compñía teatral.

Moliere marca como objetivo la crítica delos comportamientos que salen de los canones sociales, y sobresale, no en la creación de "tipos", sino en sus personajes característicos con los que pretende agradar al público y lucirse como actor.

Sus composiciones se caracterizan por: Aceptar las reglas clásicas, sobre todo el respeto por las tres unidades, reflejo de la sociedad de su tiempo, uso de la literatura como elemento moralizador, personajes caracterizados por su verosimilitud y su profundidad psicológica, uso frecuente de recursos literarios y un lenguaje rico y expresivo, que adapta a la forma de ser de cada uno de sus personaje.

Su mayor aportación es la farsa y la comedia de enredo, en las que se basa para instruir a las personas, a la vez que las divierte, por ello destacan sus comedias de carácter crítico, que defienden la razón y el sentido común. Moliere busca la verosimilitud, la naturalidad y la penetración psicológica. Siempre existe un respeto de las unidades en sus composiciones y cuenta con obras en prosa y en versa, estas últimas con verso alejandrino. Intercala diferentes registros en sus obras, según el personaje y usa muchos juegos de palabras.

Respecto a la temática de sus obras, se basa en la comedia moderna y de costumbres, se centra en la familia, la educación, la situación de la mujer en la sociedad, el arribismo, el esnobismo de la burguesía, la credulidad de las personas, la falsedad y la hipocresía.

Sus obras las podemos clasificar en:

-Farsas: El médico a palos, El enfermo imaginario o Las preciosas ridículas.

- Comedias en las que destacan dos grupos:

1-     Comedias de costumbres: La escuela de mujeres o Las mujeres sabias.

2-     Comedias de caracteres: Don Juan, El misántropo, El avaro o El Tartufo.

Hay que destacar como una de sus obras más importantes ésta última. El Tartufo realiza una fuerte crítica y contiene muchas de las características del teatro de Moliere, pero no solo hay que fijarse en el fin por el cual se escribió la obra, sino también por como está escrita y los recursos que emplea el autor, además de la perfecta caracterización de los personajes y la exposición de la sociedad de la época. Esta obra fue prohibida por el rey, ya que indignó a los devotos. Durante cinco años no se pudo representar hasta que después el rey retirara la prohibición. Ahora se piensa que la verdadera razón por la que escribió la obra fue para criticar a falsa devoción de algunas personas de la época.

Aspectos formales del Tartufo.

Esta obra de teatro pertenece al Clasicismo francés del siglo XVII, por lo tanto cuenta con un fuerte carácter ilustrado dirigido a la crítica y la enseñanza, pero por ello no debemos esperar una obra aburrida, ya que aunque tenga mucho en común con otras obras de su tiempo, el autor es muy hábil y consigue crear una obra que nos engancha y nos permite leerla manteniendo nuestro interés en la obra.

El Tartufo cuenta con una gran cantidad de características que la convierten en una de las mejores obras de esta época. Hay que empezar por mencionar que Moliere, a la vez que autor, también fue actor, por lo que sabe como atraer al público y esto lo podemos observar, por ejemplo, en el recurso de introducirnos y mencionarnos al personaje principal continuamente y retrasar su aparición, esto provoca en el lector una impaciencia por saber como actúa y como es ese personaje, además Moliere esto lo remarca planteándonos dos puntos de vista diferentes de ese personaje y así aprovecha las discursiones entre los diferentes personajes para introducirnos al personaje principal y para centrarnos en el transcurso de la acción (como entre Mdam. Pernelle y Dorina).

Moliere relaciona a un personaje con una manera de pensar, así como a Tartufo lo podemos relacionar con un ser inteligente, pero un manipulador, hipócrita y traidor; a Dorina como la parte racional, descarada, que se da cuenta del engaño e intenta parar los pies a Tartufo; Orgón que es controlado y solo es capaz de fijarse en las acciones superficiales de Tartufo, además de llegar a desheredar a su hijo y planear la boda concertada de su hija, lo que nos muestra que es un personaje muy crédulo y al ser el cabeza de familia, esto es un problema porque quiere llevar la razón, pero su razón es la errónea. Después tenemos otros personajes como Cleanto o Damis que también intentan abrir los ojos a Orgón, pero fallan hasta que finalmente sea Elmira con sus astucias la que lo haga. Es importante mencionar el papel conciliador de la monarquía que es la que pone orden al final.

Es muy curioso también la parte autobiográfica que Moliere pone en boca de sus personajes, además de los grandes monólogos donde se expone una parte de la crítica que Moliere pretende hacer y el uso de la ironía continua y repeticiones que nos provocan la risa y convierten a la lectura más amena aún.

Con estas técnicas Moliere es capaz de criticar la credulidad de la gente de la época, la hipocresía existente y los falsos devotos, además de cómo un matrimonio concertado, puede destruir la felicidad de dos amantes y empeorar la vida de estas personas.

Tema 3- Moliere, El Tartufo. Contenido de la historia.

El Tartufo de Moliere es una obra de teatro en la que podemos observar una crítica social y de las costumbres de la época, pero en un tono ameno y divertido de leer. Además es un perfecto ejemplo de teatro francés del siglo XVII.

La obra, que se sitúa en París, comienza con siete personas de la misma familia que están discutiendo mientras caminan, en esta parte el autor nos introduce el problema en el que se basará el argumento de la obra. Los personajes más importantes en esta parte, que son los que nos sitúan en la acción, son cuatro: Mdam. Pernelle, que es la madre de Orgón, que será un personaje muy importante, y es el personaje de más edad; Elmira, mujer de Orgón; Damis, el hijo de Orgón y Dorina, sirvienta de Mariana. Estos personajes empiezan la obra hablando sobre un tal Tartufo, se nos hace entender que éste hombre es un mentiroso y está acabando con la hacienda familiar, pero encontramos dos opiniones distintas respecto a éste hombre, una la de Mdam Pernelle, que piensa que Tartufo es un gran hombre religioso que no pretende mal alguno, frente a la opinión de Dorina, Elmira y Damis, que tachan a Tartufo de hipócrita, falso devoto y malhechor. En este momento el espectador ya empieza a pensar que ese Tartufo es un rufián, por la opinión común de tres personajes, pero aun Moliere nos hace dudar porque la mujer más avanzada en edad y por lo tanto la que más experiencia tiene opina lo contrario y tendremos que esperar al desarrollo de la trama para ver más. Este es el primer conflicto y aquí acaba la introducción, para empezar un nudo en el que el espectador espera con ansias la aparición de Tartufo.

Más tarde estos personajes llegan a la casa donde se desarrollará la acción, y encuentran a Orgón. Nos damos cuenta que el comportamiento de éste personaje es el mismo que el de Mdam. Pernelle, ya que es un completo “acólito” de Tartufo, el autor nos muestra esto porque hace que Orgón se preocupe más por el bienestar de Tartufo que por el de su propia mujer que está enferma y requiere cuidados médicos, lo cual hace pensar que en esa casa ocurre algo muy raro. La obra está plagada de diálogos en los que chocan las dos opiniones sobre Tartufo, en este caso entre Orgón y Cleanto (el cuñado de éste) que nos confunden y consiguen que no creamos en ninguno de los dos y esperemos a la aparición de Tartufo. La situación se vuelve cada vez más retorcida cuando Orgón llega a plantearle a Mariana, su hija, el matrimonio con Tartufo, en este momento nos parece que el señor Tartufo es un manipulador muy hábil que ha conseguido engañar a las cabezas de una  familia. Después de una larga trama en la que varios personajes discuten con Orgón e intentan abrirle los ojos, además del episodio en el que Valerio y Mariana, que son amantes, discuten por la boda concertada de ésta, aparece al fin Tartufo y podemos ir viendo que la razón la lleva la gran mayoría de la familia.

Al principio Tartufo se nos presenta con el perfil del que hablaban Mdam. Pernelle y Orgón, pero después veremos que Tartufo empieza a tontear con la mujer de Orgón, Elmira, y ya nos podemos imaginar cuales son los verdaderos intereses de éste hombre, pero la acción no acaba de complicare hay, porque Damis da la cara por la familia y se enfrenta a Tartufo, pero entonces pasa algo increíble para nuestro entendimiento, Orgón está tan “adoctrinado” por Tartufo que llega a expulsar de su casa a su hijo y lo deshereda, en esta parte Tartufo se permite por primera vez decir la verdad sobre su hipocresía, pero esto hace que Orgón se apiade más de él y concluya con lo mencionado antes. Incluso el propio Orgón le permite a Tartufo verse con su mujer cuando a él le plazca, además de haberle concedido a Tartufo la herencia de Damis, lo que ya nos parece una situación descabellada.

Aún nos encontramos con más disputas entre personajes, en éste caso se enfrentarán Tartufo y Cleanto lo que empeora aun más la imagen de Tartufo.

Parea solucionar la trama es Elmira la que toma cartas en el asunto y convence a Orgón para que se esconda debajo de una mesa en una de sus conversaciones con Tartufo, de éste modo Orgón es capaz de abrir los ojos y carga con su ira contra Tartufo. Pero Tartufo pretende expulsar a la familia de la casa, pues Orgón le ha dado las escrituras. La historia termina con el arresto de Tartufo porque el príncipe descubre que es un impostor, característica del teatro francés de ésta época, se ensalza la monarquía, y así todos terminan felizmente.